Notation von elektronischer Musik

[Claus]

Und wie kann ich sicherstellen, dass andere verstehen, dass ich ein Laien-Komponist bin?

Indem Du es bei passender Gelegenheit erwähnst. Ohne Vermarktungsabsicht brauchst Du natürlich auch keine GEMA.

Darf ich mir ein Mittagessen spendieren lassen, ohne es steuerlich anzugeben? ,-))

Rechtliche Fragen dürfen konkret nur von Menschen behandelt werden, die dazu berechtigt sind, z.B. Rechtsanwälte oder zu deiner Frage z.B. Steuerberater.
Aus meiner praktischen Erfahrung als jahrzehntelang selbständiger Kaufmann kann ich sagen, dass man natürlich zum Mittagessen einladen oder eingeladen werden kann, das ist zunächst reine Privatsache.
Besteht für das Mittagessen ein geschäftlicher Anlass, dann wird aus der Rechnung eine zur "Bewirtung", die sich bei der Steuerberechnung berücksichtigen lässt. In diesem Fall muss der Name des/der Eingeladenen auf der Rechnung angegeben werden und die geschäftliche Veranlassung sollte im Fall einer Prüfung des Finanzamts plausibel sein.

Genau, deshalb möchte ich nach einer zeitgemäßen Form der Notation und Partitur fragen.

Standardnotation ist zeitgemäß und erweiterbar, Partitur ist nur die konkrete Erscheinungsform davon.
Verlässt man den Rahmen der Konventionen, dann sollte man halt ein ausreichendes kompositorisches Handwerkszeug und Wissen haben, damit alternative Notationsformen verstanden werden können.
Elektronische bzw. am Computer erzeugte Musik braucht keine "Notation", schließlich gibt es die Speicherformate der Datenverarbeitung ebenso wie den beliebigen Datenabruf.

Was wahrscheinlich nicht funktioniert: mächtig hohe Ansprüche, die nur im Kopf entwickelt werden, obwohl man selbst nicht weiß, wie sie sich verwirklichen lassen.

Gruß Claus

 

[Klängeräuschreiber]

Es ist für mich wichtig, den Ton als eine Menge von Frequenzen zu betrachten, insbesondere im Hinblick auf den letzten Punkt, bei dem ich die Unterscheidung zum Instrument hinterfragt habe – dabei spielen auch die Amplituden dieser Frequenzen eine Rolle.

Das ist nach gängiger Lehrmeinung (ich hoffe, ich lieg nicht falsch, das hatte mich auch ziemlich beschäftigt) eben der Klang. In der Musik wird der "Ton" als Symbol für den Klang verwendet, vom physikalischen Ton abstrahiert. Aber wer soll im Detail das noch verstehen, wenn man sagt, dass ein Dreiklang aus drei Tönen bestehen soll. Jedenfalls, nach meinem Verständnis ist der Ton Bestandteil von Musik, während der Klang der Akkustik zugehörig, Konglomerat von sinusförmigen Einzelschwingungen ist, die kaum bis mäßig abhängig voneinander an- und abschwellen. Die Note symbolisiert wiederum einen Ton auf dem Papier. In der Linguistik verhält es sich genauso zwischen Graphem und Phonem und zwischen phonemisch und phonetisch. Letzteres bezieht sich auf die Realisierung eines Phonems bei einem bestimmten Sprecher auf einem bestimmten Medium. Beispiel: Bei alten Telephonen gab es einen zu geringen phonetischen Unterschied zwischen /f/ und /s/; dass es sich an einer bestimmten Stelle um das Phonem <f> handelt, musste sich aus dem Kontext ergeben. Darum erfand man Buchstabieralphabete, die Verwechselungsgefahr mit Redundanz ausschließen. Zusammenfassend: Graphem - Note, Phonem - Ton, Phon - Klang.

Was mich dabei beschäftigt, ist die Frage, warum wir stets vom Instrument selbst ausgehen und nicht von einem Kontinuum von Tönen – etwa von reinen Sinustönen. Warum betrachten wir den Klang des Instruments immer als eine einzelne, abgeschlossene Einheit (Monade), anstatt ihn als Teil eines kontinuierlichen Spektrums von Tönen zu sehen?

Wenn du mir die Worte im Munde umdrehst, ist kein Wunder, wenn es im Nachgang Verständnisprobleme gibt; weil das für die Tondomäne nicht relevant ist, sondern für die Klangdomäne. Da es bei einer Drone keine Tondomäne gibt, besteht sie nur aus Klang. Umgekehrt, dies ist das andere Extrem, ist in der klassischen Musik die Klangdomäne überwiegend die von Instrumentenbauer und die des Instrumentenunterrichts. In einer Orchesteraufführung interessiert nur, dass eine Stimme sich adäquat im Rahmen der Möglichkeiten des Instruments und der musikalischen Sinnhaftigkeit optimal artikuliert.

Ein gutes Beispiel dafür sind die Player-Piano-Kompositionen von Kornell Nankarow

Conlon Nancarrow, so heißt der Mensch richtig, inspiriert mich sehr, für mich war er ein Vertreter der "Neusik" vor Geburt meinereiner, des Begriffsprägers. Er hatte sich viel mit krummer Polymetrik beschäftigt. Dessen Kompositionen würden mich an die Grenze dessen bringen, was meine Sprache zu leisten vermag.

Elektronische bzw. am Computer erzeugte Musik braucht keine "Notation", schließlich gibt es die Speicherformate der Datenverarbeitung ebenso wie den beliebigen Datenabruf.

Die Probleme mit MIDI und die der Bearbeitungen von Audiosamples sind derart zahlreich, dass es nicht allzu sehr überraschen sollte, dass es Lilypond, ABC, MusicXML, Csound etc. gibt und eine Handvoll Nerds, die sich um Notation von elektronischer Musik verdient machen. Oder zumindest Kümmern. Ich für meinen Teil freue mich, dass es Mitstreiter auf dem Gebiet gibt.

 

[rbur]

Heutzutage benötigt man keine formale Ausbildung mehr, um Komponist zu werden?

Hat man noch nie gebraucht. Das einzige was man können muss ist, Musik zu schreiben.

kenne ich die Gruppen ELP und JMU leider nicht

leider? Wenn du leider sagst, warum änderst du es dann nicht? Es gibt da seit neuestem in geiles Tool namnes Internet, da kann man Sachen kennen lernen die man nicht kennt

Wie kann ich mich als absoluter Laie von professionellen Komponisten abgrenzen? Liegt der Unterschied nur darin, wie viel man mit dem Komponieren verdient und wie bekannt man ist? Und wie kann ich sicherstellen, dass andere verstehen, dass ich ein Laien-Komponist bin?

Was der Unterschied ist kann du in diesem und anderen Foren in hunderten von Threads versuchen rauszukriegen. Warum müssen andere das verstehen? Wenn ihnen deine Musik gefällt werden sie sie anhören, wenn nicht, dann nicht. Dass Philip Glass vom Taxifahren gelebt hat ändert an seiner Musik nichts (oder vielleicht doch? Da hat sicher jemand mal eine Doktorarbeit drüber geschrieben).
Du hast es leider bisher konsequent vermieden, uns deine Musik vorzustellen, aber ich gehe mal davon aus, dass sie eher für einen eingeschränkten Hörerkreis geeignet ist.

und nicht von einem Kontinuum von Tönen – etwa von reinen Sinustönen.

Man könnte eine Beethoven Sinfonie durchaus in ihrer Fourier-Zerlegung als Sinustöne darstellen, ich stelle mir das aber für praktische Zwecke als eher unhandlich vor.

 

[ComputerArtist_ThL]

Interpretation ist ohne Mensch hinter den Noten nicht denkbar. Auch eine K.I. interpretiert nicht, sie tut nur so. Egal. Echtes Interpretieren, dazu brauchts instrumentenkundige Musiker

Eigentlich möchte ich das nicht einfach so infrage stellen, aber ich finde, man sollte heute darüber nachdenken, ob es neben dem Menschen noch andere Formen von Intelligenz geben könnte. Diese könnten möglicherweise ihre eigene Art von Musik erschaffen. In diesem Zusammenhang wäre der Computer ein besonders interessantes Studienobjekt.

Die Trennung und anschließende geordnete Verbindung von Klang- und Tondomäne würde ich sehr empfehlen als Ansatz für ähnliche Projekte.

Auch ich halte die Trennung und anschließende Rückverbindung für einen guten Ansatz, um das Problem zu lösen. Ein ähnliches Konzept ist bereits in Csound umgesetzt, und in gewisser Weise ist es auch in SuperCollider mit der Trennung von Frontend und Backend vorbereitet beziehungsweise angedacht.

Und vergiss Echtzeit, das macht alles nur unnötig kompliziert, nur um Musikern zu gefallen, die so Projekte eh nicht brauchen

Im Grunde hast du recht: Echtzeit wäre nur dann nötig, wenn man dem Hörer einen interaktiven Zugang zum Musikhören bieten möchte. Ansonsten ist sie überflüssig, da die Musik auch später noch gehört werden kann.

Wer aus maschinenlesbarer Notation Renderings erzeugen will, muss warten können. Oder Meditieren, Kaffeekochen, Wäsche aufhängen, was weiß ich.

Das würde ich heute nicht mehr unbedingt so sagen. Die Entwicklung immer leistungsfähigerer Computer schreitet unglaublich schnell voran. Es gibt den Spruch, dass ein heute gekaufter Computer schon morgen technisch veraltet sein kann. Was ich damit ausdrücken möchte, ist: Was gestern noch unmöglich war, ist morgen oft schon technisch machbar. Trotzdem befinden wir uns immer irgendwo dazwischen.

 

[rbur]

Problem der Stimmungsanpassung

Bei einer reinen Stimmung hast du Probleme wenn du in eine andere Tonart willst, bei einer temperierten Stimmung hast du in jeder Tonart Probleme, aber dafür kleinere. Bei Instrumenten die das erlauben (also zB Blas- und Streichinstrumente) umgeht man das damit, dass der Instrumentalist entsprechend intoniert, dann passt das wieder, bei Klavier etc mit festgelegten Tonhönen muss man damit leben, was ich abern icht als Problem empfinde.

Ein ähnliches Konzept ist bereits in Csound umgesetzt,

Negativ formuliert: Csound klebt noch am alten Konzept der Trennung zwischen Partitur und Instrument.

 

[ComputerArtist_ThL]

Das ist nach gängiger Lehrmeinung (ich hoffe, ich lieg nicht falsch, das hatte mich auch ziemlich beschäftigt) eben der Klang. In der Musik wird der "Ton" als Symbol für den Klang verwendet, vom physikalischen Ton abstrahiert.

Genau darin liegt der Unterschied zwischen Musik und Akustik – und gerade dieser Unterschied führt in der elektronischen Musik zu besonderen Herausforderungen. Denn der Künstler muss hier in der Schnittmenge zwischen beiden Bereichen arbeiten.
Klang ist stets eine Zusammensetzung aus Sinustönen. Gerade deshalb entstand bei Künstlern wie Karlheinz Stockhausen die Hoffnung, mithilfe der Erzeugung von Sinustongemischen jeden gewünschten Klang erzeugen zu können. Dieses Verfahren scheiterte jedoch letztlich am hohen Aufwand.

Aber wer soll im Detail das noch verstehen, wenn man sagt, dass ein Dreiklang aus drei Tönen bestehen soll.

Genau genommen haben wir es hier schon beim Klang selbst mit Mehrklängen aus Sinustönen zu tun. Doch was unterscheidet diese eigentlich von musikalischen Mehrklängen? Meiner Meinung nach liegt der Unterschied darin, dass bei traditionellen Instrumenten der Sinuston-Akkord – also die Klangfarbe und die Stimmen des Instruments – festgelegt sind. Dagegen lässt sich der musikalische Mehrklang oft flexibler variieren. In der modernen elektronischen Musik scheint diese Grenze jedoch immer mehr zu verschwimmen.

Jedenfalls, nach meinem Verständnis ist der Ton Bestandteil von Musik, während der Klang der Akkustik zugehörig,

Wie bereits erwähnt, mag diese Trennung in der traditionellen Musik funktionieren, doch in der elektronischen Musik führt sie gerade zu Problemen, wie ich weiter oben bereits erläutert habe.

Konglomerat von sinusförmigen Einzelschwingungen ist, die kaum bis mäßig abhängig voneinander an- und abschwellen.

Genau das ist Musik und damit gestaltete Zeit aus Sicht der elektronischen Musik – dem elektronischen Komponisten bleibt die Aufgabe, diese Beziehungen im Programmcode zu bestimmen. Und das Programm sollte einen musikalischen Weg durch diese Regeln finden.

Die Note symbolisiert wiederum einen Ton auf dem Papier. In der Linguistik verhält es sich genauso zwischen Graphem und Phonem und zwischen phonemisch und phonetisch.

Das stimmt – auch aus meiner Sicht. Die Partitur ist im Grunde eine grafische Abstraktion eines akustischen Geschehens. Was die weiteren Eigenschaften der Partitur angeht, möchte ich an das Lesen grafischer Partituren mit dem Auge erinnern.

Letzteres bezieht sich auf die Realisierung eines Phonems bei einem bestimmten Sprecher auf einem bestimmten Medium

Dieser Prozess entspricht der Umsetzung von Musik – von ihrer abstrakten Form hin zu einem realen akustischen Ereignis.
Was ich ganz vergessen habe: Die graphische Notation verhält sich zu diesem Ereignis ungefähr so, wie ein Roman zur Inszenierung eines Theaterstücks.

Beispiel: Bei alten Telephonen gab es einen zu geringen phonetischen Unterschied zwischen /f/ und /s/; dass es sich an einer bestimmten Stelle um das Phonem <f> handelt, musste sich aus dem Kontext ergeben.

ch würde das mit den technischen Schwierigkeiten bei Musikaufführungen vergleichen. So waren zum Beispiel die ersten Schallplatten noch sehr verrauscht. Heute bietet die CD dafür eigentlich eine perfekte Lösung.

Darum erfand man Buchstabieralphabete, die Verwechselungsgefahr mit Redundanz ausschließen. Zusammenfassend: Graphem - Note, Phonem - Ton, Phon - Klang.

Eine gute Zusammenfassung. Am meisten interessiert mich jedoch die Frage, was passieren würde, wenn das Instrument seinen statischen Klang überwinden könnte und sich die Klangfarbe im Werk dynamisch verändern würde.

Beitrag automatisch zusammengefügt: Gestern um 10:28

Wenn du mir die Worte im Munde umdrehst, ist kein Wunder, wenn es im Nachgang Verständnisprobleme gibt; weil das für die Tondomäne nicht relevant ist, sondern für die Klangdomäne

Entschuldigung – ich werde in Zukunft genauer darauf achten, deine Aussagen richtig zu verstehen.
Die Begriffe Tondomäne und Klangdomäne finde ich allerdings etwas verwirrend – vielleicht könntest du mir den Unterschied noch einmal erklären?
Es tut mir leid, wenn es so wirkt, als ob ich nicht aufmerksam wäre. Das ist nicht meine Absicht, und ich werde in Zukunft besser aufpassen.

Da es bei einer Drone keine Tondomäne gibt, besteht sie nur aus Klang.

Wie bereits erwähnt, bin ich etwas verwirrt über deinen Gebrauch der Begriffe. Ich war bisher der Meinung, dass ‚Klang‘ das Zusammengesetzte bezeichnet, während ‚Ton‘ für das Einzelne steht.

Umgekehrt, dies ist das andere Extrem, ist in der klassischen Musik die Klangdomäne überwiegend die von Instrumentenbauer und die des Instrumentenunterrichts.

Meiner Beobachtung nach liegt der Fokus in der Musiktheorie vor allem auf Harmonie und Kontrapunkt, während Aspekte wie Rhythmus oder Klangfarbe der Instrumente kaum Beachtung finden. Der Unterricht konzentriert sich nahezu ausschließlich auf diese beiden theoretischen Bereiche. Wenn Klangfarben thematisiert werden, geschieht dies meist nur am Rande – etwa im Zusammenhang mit der Geschichte der Instrumentenentwicklung. Auch in der Harmonielehre bleibt häufig unberücksichtigt, mit welcher Lautstärke oder Ausdruckskraft Töne gespielt werden.

In einer Orchesteraufführung interessiert nur, dass eine Stimme sich adäquat im Rahmen der Möglichkeiten des Instruments und der musikalischen Sinnhaftigkeit optimal artikuliert.

Der Einsatz der Instrumente stellt wirklich ein Problem dar, und ich konnte bislang kein geeignetes Buch zum Thema Orchestrierung finden. Dabei ist Orchestrierung heute von großer Bedeutung. Zumindest lassen sich Ideen von der Orgel auf den Synthesizer übertragen.

Conlon Nancarrow, so heißt der Mensch richtig, inspiriert mich sehr, für mich war er ein Vertreter der "Neusik" vor Geburt meinereiner, des Begriffsprägers.

Noch einmal Entschuldigung – ich war mir nicht mehr ganz sicher, wie dieser Name geschrieben wird. Vielen Dank, dass du ihn korrigiert hast. Ich freue mich außerdem, vielleicht jemanden gefunden zu haben, der sich ebenfalls für diese Musik begeistern kann. Nochmals vielen Dank!“

Er hatte sich viel mit krummer Polymetrik beschäftigt. Dessen Kompositionen würden mich an die Grenze dessen bringen, was meine Sprache zu leisten vermag.

Er hat intensiv mit Polymetrik gearbeitet – so komplex, dass seine Werke schließlich nur noch von Maschinen gespielt werden konnten, weil menschliche Musiker an ihre Grenzen stießen. Dadurch wird auch das verstehende Hören schnell herausgefordert. Könntest du etwas genauer erläutern, warum gerade hier deine Sprache an ihre Grenzen stößt?

Die Probleme mit MIDI und die der Bearbeitungen von Audiosamples sind derart zahlreich, dass es nicht allzu sehr überraschen sollte, dass es Lilypond, ABC, MusicXML, Csound etc. gibt und eine Handvoll Nerds, die sich um Notation von elektronischer Musik verdient machen.

Wie bereits erwähnt, suche ich den Austausch mit Menschen, die ähnliche Interessen haben. Mit Programmen wie LilyPond und Csound bin ich vertraut und beschäftige mich hobbymäßig regelmäßig damit. Vor diesem Hintergrund stellt sich für mich die Frage, was nach dem Open Sound Control (OSC) Protokoll kommt, das MIDI bereits in vielen Bereichen abgelöst hat. In diesem Zusammenhang möchte ich auch auf das Programm IanniX hinweisen, das sich hervorragend für grafische Partituren eignet.

 

[Klängeräuschreiber]

Das würde ich heute nicht mehr unbedingt so sagen. Die Entwicklung immer leistungsfähigerer Computer schreitet unglaublich schnell voran. Es gibt den Spruch, dass ein heute gekaufter Computer schon morgen technisch veraltet sein kann. Was ich damit ausdrücken möchte, ist: Was gestern noch unmöglich war, ist morgen oft schon technisch machbar. Trotzdem befinden wir uns immer irgendwo dazwischen.

Auf jeden Fall. Nun ist halt die Frage, wenn deine Hardware im Nu fertig wird, ob du dir mit der Notation auch genug Mühe gegeben hast, alle Möglichkeiten ausgeschöpft hast, Denkzeit investiert hast, die der schnellere Rechner wieder mit schnellerem Warten zubringt.
Du kannst einen Klavierklang sicher passabel mit einem bis zwei Dutzend Partials (dich und Laien ohne musikalische Vorbildung) überzeugend umsetzen. Pianisten und Klavierbauer lachen natürlich und setzen dich mit dem kleinen Finger unterm Kragen vor die Tür.

Während ich Noten aus einer Partitur in meine Sprache übersetzte, nutzte ich eine
Instrumentendefinition von ein paar wenigen Eigenschaften, sagen wir, einen Transienten (Attack), einem Decay, einem Sustain, einem Release, vielleicht noch einer Frequenzmodulation, gemeinsam bezogen auf eine Handvoll Sinus-Oszi-Layer – hört sich ganz klar synthetisch an. Und das soll es auch, mir egal, so lange die Partitur nicht vollständig im Kasten ist, kann die Akustik Kosmetik sein. Darum kümmerte ich mich erst später, wenn ich auch die Notenköpfe (=Unicode-Buchstaben) nach Belieben austauschen und ihre klanglichen Gesetzmäßigkeiten festlegen konnte. Die kann man frei gestalten – aber mit Blick auf die jahrtausendelange Tradition physischer Instrumente sollte man diese nicht aus dem Blick verlieren, will man fremde Ohren für sich gewinnen. Es sei denn, man bevorzugt einen Hörerkreis der von Einheitsohrenstopfe Gelangweilten, will also "Avantgarde" sein.

Sagt mir meinetwegen irgend ne Übung aus dem Hanon, hab hier ne Peters-Edition rumfliegen (oder will mir hier einer vertellen, das Material – hier nicht zu verwechseln mit dem Notenbild – käme irgendwie auch nur in die Nähe von urheberrechtsrelevanter Schöpfungshöhe?!) und ich demonstrier mal was, wo dem einen oder anderen vielleicht die Ohren aufgehen – Hanon ist nur langweilig an einem statischen, akustischen Instrument, nicht an Elektronik, eben weil der Komponist da auch über die Klangdomäne herrscht. Mit echtem Material knauser ich hier im Forum und wedel mit Gesetzen von wegen darf ich nicht und so weiter, wenigstens das hab ich mir gekonnt von Musikern abgeschaut.

 

[rbur]

Mit echtem Material knauser ich hier im Forum

Tatsächlich wäre es hilfreich zu verstehen was hier abgeht, wenn die Hauptbeitragenden ein bisschen was demonstrieren würden.

 

[McCoy]

Sagt mir meinetwegen irgend ne Übung aus dem Hanon, hab hier ne Peters-Edition rumfliegen (oder will mir hier einer vertellen, das Material – hier nicht zu verwechseln mit dem Notenbild – käme irgendwie auch nur in die Nähe von urheberrechtsrelevanter Schöpfungshöhe?!) und ich demonstrier mal was,

Hanon ist nach geltendem Recht seit 1971 gemeinfrei. Ich schlage Hanon 47 vor.

Viele Grüße,
McCoy

 

[El Cid]

 

[ComputerArtist_ThL]

Hat man noch nie gebraucht. Das einzige was man können muss ist, Musik zu schreiben.

Also müsste ich auch als Komponist gelten, wenn ich einfach den Computer anweisen kann, Klangstrukturen zu erzeugen – demnach ist schon jeder Komponist, der zum Beispiel SuperCollider bedienen kann. Und dann wäre auch ich ein Komponist.
Nun müssen wir diese Musik überhaupt schreiben – mit Programmen wie Iannix müsste es möglich sein, auch Musik zu zeichnen.

leider? Wenn du leider sagst, warum änderst du es dann nicht? Es gibt da seit neuestem in geiles Tool namnes Internet, da kann man Sachen kennen lernen die man nicht kennt

Okay, ich nutze ja bereits das Internet. Meine eigentliche Frage war eher, wo man diese Musik kostenlos und legal finden kann – zum Beispiel auf YouTube oder auf der Webseite der Bücherei.

Was der Unterschied ist kann du in diesem und anderen Foren in hunderten von Threads versuchen rauszukriegen. Warum müssen andere das verstehen?

Ich glaube, der Unterschied besteht darin, dass ich mit vielen Fragen dastehe, während ihr eher Antworten geben könnt. Dadurch könnte ich mich als Komponist damit profilieren, welche Fähigkeiten ich in dieses Forum einbringen kann. Anschließend müsste ich nur noch auf meine Statistik verweisen.

Wenn ihnen deine Musik gefällt werden sie sie anhören, wenn nicht, dann nicht.

Ich könnte zum Beispiel Musik auf Jamendo veröffentlichen und dabei auf die dortigen Statistiken verweisen. Aber welche Zahlen sind dort realistisch? Sind 1000 Anhörungen viel oder wenig? Woran orientiert man sich, um das einzuschätzen?

Dass Philip Glass vom Taxifahren gelebt hat ändert an seiner Musik nichts (oder vielleicht doch? Da hat sicher jemand mal eine Doktorarbeit drüber geschrieben).

Man muss als Komponist nicht unbedingt von seiner Musik leben können. Man kann auch einfach aus Interesse an der Musik komponieren. Dieses Argument nutze ich gerne, wenn ich mich als Komponist vorstelle. Ähnlich kenne ich das aus der Malerei, wo die meisten Maler ihren Lebensunterhalt mit etwas anderem verdienen mussten.

an mod Leider weis ich nicht was du mit Rattenschwanz meinst !!!???

 

[Claus]

Eigentlich möchte ich das nicht einfach so infrage stellen, aber ich finde, man sollte heute darüber nachdenken, ob es neben dem Menschen noch andere Formen von Intelligenz geben könnte.

Intelligenz würde ich das nicht nennen, denn die ist nun einmal ein Konstrukt der Psychologie, um (keineswegs einheitlich) menschliche Leistungsfähigkeit zur Lösung bestimmter, geistig wenig bis sehr fordernder Aufgaben zu bestimmen.

Die entscheidende Frage dabei ist jedoch, wie präzise diese Ausarbeitung sein muss, damit der künstlerische Gedanke für den Zuhörer wirklich verständlich und erlebbar wird.

Zum Glück ist es allein Sache der Zuhörer, wie sie den "künstlerischen Gedanken" auffassen, Rückschlüsse auf die Qualität eines Werks sind daraus nicht unbedingt möglich. Pole: ein Zuhörer ohne musikalische Begabung und Ausbildung wird Musik zwangsläufig ganz anders hören als ein fähiger Berufsmusiker.

Klang ist stets eine Zusammensetzung aus Sinustönen.

Nein.
Klang ist ein Begriff für die Beschaffenheit von harmonischen Schwingungen, die über Jahrtausende natürlichen Urspungs waren. Die Beschaffenheit der Obertonschwingungen eines Klangs bestimmt, wie wir ihn (bei entsprechendem Wissen) wiedererkennen und z.B. einem akustischen Instrument zuordnen können.
Ton ist durch seine Frequenz bestimmt, sein Klang wird vom Begriff dagegen nicht erfasst.

Es gibt natürliche, obertonarme Schwingungen, z.B. bei einer sanft gespielten (Block-)Flöte.
Wenn Du mit elektronischen Tongeneratoren spielst, dann kannst Du feststellen, dass Du mit Sinusschwinungen eben nicht "alle" Klänge simulieren kannst.
Man wird praktisch bei additiver Synthese auch mit Rechteck- und Sägezahnwellen, ganz abgesehen von den Wirkungen der Filter und Hüllkurven. Vor gut 40 Jahren hatte ich einen Yamaha DX7, auf dem sich das gut auspobieren ließ, schon lange geht natürlich auch mit Software-Synths am Notebook.

Gruß Claus

 

[ComputerArtist_ThL]

Du hast es leider bisher konsequent vermieden, uns deine Musik vorzustellen, aber ich gehe mal davon aus, dass sie eher für einen eingeschränkten Hörerkreis geeignet ist.

Das Problem ist, dass ich aus heutiger Sicht meine ersten Experimente eher als chaotische Kakophonien in Lila empfinde. Damals waren sie zwar gut als erste Versuche, aber heute schäme ich mich ein wenig dafür. Trotzdem möchte ich dir hier einen Link zu meinem alten Yamendo-Kram schicken:

Mungo 1981 | Jamendo Music | Free music downloads

Discover Mungo 1981 on Jamendo Music

www.jamendo.com

Man könnte eine Beethoven Sinfonie durchaus in ihrer Fourier-Zerlegung als Sinustöne darstellen, ich stelle mir das aber für praktische Zwecke als eher unhandlich vor.

Das war auch meine erste Idee in Bezug auf die Notation von Musik. Allerdings haben wir mittlerweile festgestellt, dass ein einfaches Sonogramm nicht die praktikabelste Methode ist, um Musik darzustellen. Geeigneter erscheinen stattdessen Computerprogramme oder grafische Partituren.

 

[Klängeräuschreiber]

Hanon ist nach geltendem Recht seit 1971 gemeinfrei. Ich schlage Hanon 47 vor.

# erste Periode Hanon 47
solo:
  NOT_CHANGED_SINCE: 2025-07-06 13:30:36
  character:
  - A: 0.05:1,4*2;5,4
    S: 0.2:100;1,83;2,80
    R: 0.3:5;3,2;4,0
    FM: 4f;3:2
  - ATTR: rand
    1:
      VOLUMES: 15:100;1,78;3,83;5,60;7,55
    10:
      VOLUMES: 10:100;1,88;3,73;5,69;9,65
  - ATTR: sueb
    1:
      VOLUMES: 15:100;1,78;3,83;5,60;7,55
      PROFILE:
      - match: 1
        S: 100;3,95;7,85
        FM: 4.3f;1:5
      - match: 12
        S: 100;3,90;7,75
        FM: 4.3f;1:5
    10:
      VOLUMES: 15:100;1,78;3,83;5,50;7,50
      PROFILE:
      - match: 1
        S: 100;3,85;7,90;10,78
        FM: 4.1F;3:1
      - match: 12
        S: 100;3,70;7,65
        FM: 4.3f;6:5
    

measures:
  beats_per_minute: 100
  stress_pattern: '4;4'
  upper_stress_bound: 100
  lower_stress_bound: 95 # irgendwas

articles:
  x: { rand: '1-5' }
  y: { rand: 'L3;1,1;2,3;P2,1;4,6,2,3;1,5;U8;1,5;3,6' }
  t: { rand: '10;2,3;6,7', sueb: '3;7,6;9,0' }

---
C3 o=;x-12*16

---
C3 o=;y-12*16

---
C3 o=;t-12*16

---
C3 o=;y-12*16

---
C3 x=;t-12*16

---
C3 y=;o-12*16

---
C3 t=;x-12*16

---
C3 y=;t-12*16

---
C3 o=;x-12*8, D3

---
E3 o=;y-12*8, F3

---
G3 o=;t-12*8, A3

---
B3 o=;y-12*8, C4

---
D4 x=;t-12*8, E4

---
F4 y=;o-12*8, G4

---
A4 t=;x-12*8, B4

---
C5 o=;t-12*8, D5

---
E5 y=;t-12*8, F5

---
G5 o=;t-12*8, A5

---
- B5 yoxt, E6, D6, A5
- G4 o*8, F4

---
- G5 oyxo, C6, B5 tyxo, F5
- E4 o*8, D4

---
- E5 toxy, A5, G5 xyto, D5
- C4 o*8, B3

---
- C5 xoty, F5, E5 xyto, B4
- A3 o*8, G3

---
- A4 ytxo, D5, C5 yxto, G4
- F3 o*8, E3

---
- F4 xoto, B4, A4 xyty, E4
- D3 xo*4, C3 xy*4

---
- D4 xoyy, G4, F4 yxoy, C4
- B2 oxxo*, A2 xyox*

---
- B3 yoxo, E4, D4 yxox, A3
- G2 yx*4, F2 xt*4

---
- G3 xytt, C4, B3 xott, F3
- E2 oyx*to, D2 yox*yt

---
- E3 toyx, A3, G3 tyox, D3
- C2 oyx**totoyox

---
C3 o=;x-12*8, D3

---
E3 o=;y-12*8, F3

---
G3 o=;t-12*8, A3

---
B3 o=;y-12*8, C4

---
D4 x=;t-12*8, E4

---
F4 y=;o-12*8, G4

---
A4 t=;x-12*8, B4

---
C5 o=;t-12*8, D5

---
E5 y=;t-12*8, F5

---
G5 o=;t-12*8, A5

---
- B5 yoxt, E6, D6, A5
- G4 o*8, F4

---
- G5 oyxo, C6, B5 tyxo, F5
- E4 o*8, D4

---
- E5 toxy, A5, G5 xyto, D5
- C4 o*8, B3

---
- C5 xoty, F5, E5 xyto, B4
- A3 o*8, G3

---
- A4 ytxo, D5, C5 yxto, G4
- F3 o*8, E3

---
- F4 xoto, B4, A4 xyty, E4
- D3 xo*4, C3 xy*4

---
- D4 xoyy, G4, F4 yxoy, C4
- B2 oxxo*, A2 xyox*

---
- B3 yoxo, E4, D4 yxox, A3
- G2 yx*4, F2 xt*4

---
- G3 xytt, C4, B3 xott, F3
- E2 oyx*to, D2 yox*yt

---
- E3 toyx, A3, G3 tyox, D3
- C2 oyx**totoyox

---
- C3 16 t ; C2

 

[ComputerArtist_ThL]

Bei einer reinen Stimmung hast du Probleme wenn du in eine andere Tonart willst, bei einer temperierten Stimmung hast du in jeder Tonart Probleme, aber dafür kleinere.

Das Problem besteht darin, dass die Intervalle nicht immer miteinander harmonieren. Wenn man in eine andere Tonart wechseln möchte, reicht es daher nicht aus, lediglich Versetzungszeichen anzuwenden. Vielmehr verschieben sich diese auf neue Töne, die in der ursprünglichen Tonart – beziehungsweise in deren chromatischer Struktur – gar nicht enthalten waren.

Bei Instrumenten die das erlauben (also zB Blas- und Streichinstrumente) umgeht man das damit, dass der Instrumentalist entsprechend intoniert, dann passt das wieder,

Auf einem Synthesizer würde man einfach mit den exakten Frequenzen arbeiten – aber selbst dann scheinen die Intervalle nicht immer wirklich zueinander zu passen.

bei Klavier etc mit festgelegten Tonhönen muss man damit leben, was ich abern icht als Problem empfinde.

Genau aus diesem Grund hat sich die mikrotonale Musik entwickelt: Man experimentierte mit zusätzlichen Tönen, die über die traditionelle chromatische Skala hinausgehen. Meiner Meinung nach liegt die wirkliche Lösung jedoch erst im Synthesizer, der in der Lage ist, alle Frequenzen zu erzeugen.

Negativ formuliert: Csound klebt noch am alten Konzept der Trennung zwischen Partitur und Instrument.

Bist du also auch der Meinung, dass die Trennung zwischen Instrument und der übergeordneten Struktur einer Komposition aufgehoben werden sollte?

 

[ComputerArtist_ThL]

Auf jeden Fall. Nun ist halt die Frage, wenn deine Hardware im Nu fertig wird, ob du dir mit der Notation auch genug Mühe gegeben hast, alle Möglichkeiten ausgeschöpft hast, Denkzeit investiert hast, die der schnellere Rechner wieder mit schnellerem Warten zubringt.

Du stimmst mir also zu, dass die Fragen der Computertechnik sicherlich auch in Zukunft noch gelöst werden können.
Das eigentliche Problem besteht jedoch darin, dass die neuen Möglichkeiten zunächst erprobt und verstanden werden müssen. Dabei darf die Bedeutung der Arbeit und Verantwortung beim Komponieren nicht vernachlässigt werden.

Du kannst einen Klavierklang sicher passabel mit einem bis zwei Dutzend Partials (dich und Laien ohne musikalische Vorbildung) überzeugend umsetzen. Pianisten und Klavierbauer lachen natürlich und setzen dich mit dem kleinen Finger unterm Kragen vor die Tür.

Die zentrale Frage ist, welchen Stellenwert wir den einzelnen Soundparametern beimessen. Für den durchschnittlichen Hörer reicht oft ein E-Piano mit einfacher Funktionsweise aus. Ein Liebhaber klassischer Musik hingegen empfindet einen solchen Klang häufig als unbefriedigend. Gleichzeitig stellt sich die grundsätzliche Frage, ob wir überhaupt versuchen wollen, das Klangerlebnis eines echten Pianos nachzuahmen, oder ob der Klang eines Synthesizers nicht seinen eigenen, eigenständigen Wert haben kann.

Während ich Noten aus einer Partitur in meine Sprache übersetzte, nutzte ich eine
Instrumentendefinition von ein paar wenigen Eigenschaften, sagen wir, einen Transienten (Attack), einem Decay, einem Sustain, einem Release, vielleicht noch einer Frequenzmodulation, gemeinsam bezogen auf eine Handvoll Sinus-Oszi-Layer

Es ist wichtig, auch die Praktikabilität zu berücksichtigen – besonders wenn, wie bereits erwähnt, kein reales Instrument imitiert, sondern ein völlig neuer Klang erschaffen werden soll. Dabei sollte man nicht zu viele Elemente verwenden, um den Hörer nicht zu überfordern.
Gleichzeitig muss darauf geachtet werden, die Partitur nicht unnötig aufzublähen. So sollte man sich beispielsweise beim Einsatz von MIDI-Partituren nicht zu sehr mit den Klangeinstellungen modularer Synthesizer beschäftigen, um die Übersichtlichkeit zu bewahren.

hört sich ganz klar synthetisch an.

Hier stellt sich die Frage, welchen Klang man eigentlich bevorzugt. Synthesizer-Musik hat im Laufe der Zeit eine ganz eigene Klangfarbe etabliert – leider. Ein ähnliches Phänomen gab es bereits bei der frühen elektronischen Musik, vor allem bei Sinuston-Kompositionen, wie etwa von Karlheinz Stockhausen, aber auch bei der musique concrète.

Und das soll es auch, mir egal, so lange die Partitur nicht vollständig im Kasten ist, kann die Akustik Kosmetik sein.

Außer du möchtest die Idee eines Werkes aus einem akustischen Phänomen entwickeln. Hier gibt es meiner Meinung nach zwei grundlegende Wege, Musik zu erschaffen: Entweder „Bottom-up“, also indem man aus kleineren Klangfragmenten größere Strukturen zusammensetzt, oder „Top-down“, indem man eine bereits bestehende Idee Schritt für Schritt verfeinert.

Darum kümmerte ich mich erst später, wenn ich auch die Notenköpfe (=Unicode-Buchstaben) nach Belieben austauschen und ihre klanglichen Gesetzmäßigkeiten festlegen konnte

Ich denke Beim Verfahren, ein musikalisches Werk von oben nach unten zu erschaffen, geht es darum, zunächst einige grundlegende Gesetzmäßigkeiten für die gesamte Struktur der Komposition festzulegen – und daraus sukzessive weitere Regeln abzuleiten.

Die kann man frei gestalten – aber mit Blick auf die jahrtausendelange Tradition physischer Instrumente sollte man diese nicht aus dem Blick verlieren,

Das Problem besteht darin, dass der Mensch an bestimmte Klangformen gewöhnt ist. Dadurch werden diese Klangfarben automatisch mit Bedeutung – also semantisch – aufgeladen. Genau das sollte man auch bei elektronischer Musik beachten.

will man fremde Ohren für sich gewinnen. Es sei denn, man bevorzugt einen Hörerkreis der von Einheitsohrenstopfe Gelangweilten, will also "Avantgarde" sein.

Genau meine Meinung – das Problem ist, wer von den neuen Musikern will nicht Avantgarde sein und denn noch ernsthafte Musik schaffen – das andere überlässt man der Unterhaltungsmusik.

 

[ComputerArtist_ThL]

Sagt mir meinetwegen irgend ne Übung aus dem Hanon, hab hier ne Peters-Edition rumfliegen (oder will mir hier einer vertellen, das Material – hier nicht zu verwechseln mit dem Notenbild – käme irgendwie auch nur in die Nähe von urheberrechtsrelevanter Schöpfungshöhe?!)

Ich bin da etwas unsicher: Was genau meinst du mit dem Hanon? Und um welche Peters-Edition geht es? Falls du wissen möchtest, welche Theorie meine Philosophie am meisten geprägt hat, dann ist es die Omega-Punkt-Theorie von Trippler.
Außerdem würde mich interessieren, worin sich dieses Hanon vom normalen Notenbild unterscheidet.
Eine wichtige Frage, die wir bisher nicht ausreichend besprochen haben, betrifft die Schöpfungshöhe. Diese verteilt sich hier anders und gestaltet sich anders, wenn die Komposition offen bleibt. Das ist besonders relevant im Zusammenhang mit der GEMA und dem Copyright.

und ich demonstrier mal was, wo dem einen oder anderen vielleicht die Ohren aufgehen

Das Wesentliche an der Avantgarde ist, dass sie uns die Ohren öffnen soll – alles andere wäre in diesem Sinne Unterhaltungsmusik. Nur die moderne Musik überfordert oft noch den unvorbereiteten Hörer. Doch wenn der Hörer vorbereitet wäre, würden ihm dann noch die Ohren aufgehen? Oder wie ist Musikvermittlung besonders bei der Avantgarde möglich?

Hanon ist nur langweilig an einem statischen, akustischen Instrument, nicht an Elektronik, eben weil der Komponist da auch über die Klangdomäne herrscht

Die zentrale Frage ist, wie wir mit den Möglichkeiten einer dynamischen und variablen Stimmfarbe umgehen. Da mir das Hanon-Übungsbuch bisher unbekannt ist, kann ich dazu leider noch nicht mehr sagen.

Mit echtem Material knauser ich hier im Forum und wedel mit Gesetzen von wegen darf ich nicht und so weiter, wenigstens das hab ich mir gekonnt von Musikern abgeschaut.

Soll das eine Kritik an mir sein? Ich habe bisher nur wenig Material, weil ich noch am Anfang meiner musikalischen Reise stehe. Meine Gedanken sind dabei nicht als feste Regeln oder Gesetzmäßigkeiten zu verstehen, sondern vielmehr als Ideen und Anregungen. Genau diese möchte ich von anderen Musikern aufnehmen und lernen.

Beitrag automatisch zusammengefügt: Gestern um 14:13

Tatsächlich wäre es hilfreich zu verstehen was hier abgeht, wenn die Hauptbeitragenden ein bisschen was demonstrieren würden.

Ich bitte euch noch um etwas Geduld, denn dies ist erst der Anfang meiner Reise in die Welt der Musik. Bald werde ich Experimente mit SuperCollider und anderen Tools durchführen und anschließend die Ergebnisse präsentieren.

Beitrag automatisch zusammengefügt: Gestern um 14:13

Tatsächlich wäre es hilfreich zu verstehen was hier abgeht, wenn die Hauptbeitragenden ein bisschen was demonstrieren würden.

Ich bitte euch noch um etwas Geduld, denn dies ist erst der Anfang meiner Reise in die Welt der Musik. Bald werde ich Experimente mit SuperCollider und anderen Tools durchführen und anschließend die Ergebnisse präsentieren.

Beitrag automatisch zusammengefügt: Gestern um 14:22

Hanon

Jetzt verstehe ich, was das Hanon ist: Eine rein rhythmische Komposition, die viele Orgelpunkte enthält und ansonsten ruhig gehalten ist, um den Fokus auf den Klang der beteiligten Instrumente zu legen.

 

[Klängeräuschreiber]

Hanon hatte mir eine Klavierlehrerin nahegelegt, nachdem mir ein anderer KL davon abriet, denn damit würde ich mir die Handgelenke kaputtmachen. Da scheint es unter den Profis also auch keine einhellige Meinung zu geben.

Ist egal. Kannst jedwede gemeinfreie Werke nehmen. Der mechanische Hanon bietet sich an, um die Klangvariabiltät von Synthesizern experimentell auszuloten. Denn das musikalische Material könnte man auf ein paar beschreibende DIN-A4-Seiten zusammendampfen. Da man diese schlecht verkaufen kann, hat man das Zeug ausgesetzt und in Broschur gebunden. Klever. Heute würde Hanon unter H.P. Baxter hyperhyperarbeiten.

 

[ComputerArtist_ThL]

Sagt mir meinetwegen irgend ne Übung aus dem Hanon, hab hier ne Peters-Edition rumfliegen (oder will mir hier einer vertellen, das Material – hier nicht zu verwechseln mit dem Notenbild – käme irgendwie auch nur in die Nähe von urheberrechtsrelevanter Schöpfungshöhe?!)

Zunächst einmal entschuldige ich mich, dass ich mich nur halb durch den Foren-Content gearbeitet habe – oder wie man das nennen möchte – und deshalb erst spät verstanden habe, was Hanon genau ist.
Was das Notenbild angeht, empfinde ich es als sehr minimalistisch. Meiner Einschätzung nach würde die GEMA die urheberrechtliche Schöpfungshöhe wohl eher negativ bewerten. Ich denke, der eigentliche kreative Beitrag liegt hier vielmehr in der passenden Instrumentierung.

und ich demonstrier mal was, wo dem einen oder anderen vielleicht die Ohren aufgehen – Hanon ist nur langweilig an einem statischen, akustischen Instrument, nicht an Elektronik

Wie ich bereits schrieb, finde ich dieses Musikstück besonders interessant wegen seiner dynamischen Instrumentierung. Inspiriert davon hatte ich einmal die Idee, ein ähnliches Werk zu schaffen – damals kannte ich jedoch noch nichts von Hanon. Ich experimentierte in LMMS (Linux Multi Media Studio) und setzte einen reinen Orgelpunkt. Besonders spannend war, dass ich eine bestimmte Akkordbrechung und einen festen Akkord festlegte, was zu einer interessanten klanglichen Variation führte.

eben weil der Komponist da auch über die Klangdomäne herrscht.

In einer solchen Komposition verlagert sich der Fokus vom Interesse an Melodie, Harmonie und Kontrapunkt hin zur Klangfärbung. Das ist wirklich ein interessanter Ansatz.

 

[ComputerArtist_ThL]

Intelligenz würde ich das nicht nennen, denn die ist nun einmal ein Konstrukt der Psychologie, um (keineswegs einheitlich) menschliche Leistungsfähigkeit zur Lösung bestimmter, geistig wenig bis sehr fordernder Aufgaben zu bestimmen.

Wir können den Begriff „Intelligenz“ speziell für den menschlichen Weg zur Problemlösung verwenden. Für das allgemeine Lösen von Problemen sollten wir einen anderen Begriff finden und diesen dann auch für die künstliche Version nutzen. Dabei sollten wir jedoch aufhören zu glauben, dass nur Menschen Aufgaben lösen können.
Ob eine Aufgabe als Problem wahrgenommen wird, hängt davon ab, ob die betreffende Person ein Interesse an der Lösung hat. So ist eine Mathematikaufgabe im Unterricht für viele keine wirkliches Problem, sondern einfach eine Aufgabe – es sei denn, sie ist notwendig, um beispielsweise das Taschengeld zu verdienen.
Außerdem stellt sich die Frage, wie intelligent der Mensch tatsächlich ist, wenn er dennoch Kriege führt, wie etwa in der Ukraine.

Zum Glück ist es allein Sache der Zuhörer, wie sie den "künstlerischen Gedanken" auffassen, Rückschlüsse auf die Qualität eines Werks sind daraus nicht unbedingt möglich.

Ich halte das für völlig richtig: Schon seit Langem vertrete ich die Auffassung, dass der Sinn einer Aussage maßgeblich davon abhängt, wie sie vom Empfänger verstanden wird.
Daraus folgt, dass es insbesondere Aufgabe einer musikalischen Kultur sein sollte, den Hörer auf das bewusste Erleben und Verstehen von Musik vorzubereiten.
Das Ziel einer neuen Kunst ist es daher nicht mehr nur, ein Werk zu schaffen, sondern den Betrachter oder Zuhörer durch dieses Werk zu verändern – ja, ihn in gewissem Maße zu beeinflussen oder sogar zu manipulieren.
In diesem Sinne liegt die eigentliche Macht bei jedem Einzelnen.

Pole: ein Zuhörer ohne musikalische Begabung und Ausbildung wird Musik zwangsläufig ganz anders hören als ein fähiger Berufsmusiker.

Ein zentraler Punkt, der sich aus diesem Ansatz ergibt, ist die Aufgabe unserer musikalischen Kultur, das Hören jedes Einzelnen zu fördern – von der bloßen Rezeption über das interessierte Zuhören bis hin zu einem reflektierten, analysierenden Hören.

Nein.
Klang ist ein Begriff für die Beschaffenheit von harmonischen Schwingungen, die über Jahrtausende natürlichen Urspungs waren.

Man könnte es wohl so ausdrücken: Wenn ich berücksichtige, dass du das andere ebenfalls hast, es aber einfach Ton nennst, dann ergibt das Sinn. Allerdings bin ich mir nicht sicher, ob diese Unterscheidung allgemein gültig ist. Jedenfalls scheint es, als würdest du mit Klang den semantisch aufgeladenen Ton meinen – oder sogar diese semantische Ladung selbst.

Die Beschaffenheit der Obertonschwingungen eines Klangs bestimmt, wie wir ihn (bei entsprechendem Wissen) wiedererkennen und z.B. einem akustischen Instrument zuordnen können.

Ich finde, dass der Klang in seiner Beschaffenheit maßgeblich von der Struktur seiner Oberschwingungen bestimmt wird. Diese Struktur sollte dabei jedoch nicht als statisch verstanden werden, denn jeder einzelne Oberton besitzt streng genommen seine eigene Hüllkurve. Dadurch kann ein Klang eine Vielzahl von strukturell ähnlichen Klängen umfassen.

Ton ist durch seine Frequenz bestimmt, sein Klang wird vom Begriff dagegen nicht erfasst.

Wir sollten zwischen der physikalisch-materiellen Entsprechung des Klangs und seinem semantisch aufgeladenen Erlebnisinhalt klar unterscheiden.

Es gibt natürliche, obertonarme Schwingungen, z.B. bei einer sanft gespielten (Block-)Flöte.

Es gibt obertonarme Klänge, aber auch solche, die sehr komplex und dynamisch in ihren Obertönen sind. Kompositorisch reicht das Spektrum dabei von den Sinuston-Kompositionen Karlheinz Stockhausens bis hin zur Musique concrète. Dabei steht mal der semantische Gehalt eines Klangs im Vordergrund, mal sein rein physikalisches Erleben.

Wenn Du mit elektronischen Tongeneratoren spielst, dann kannst Du feststellen, dass Du mit Sinusschwinungen eben nicht "alle" Klänge simulieren kannst.

Meiner Meinung nach muss man klar zwischen dem praktisch Machbaren – was letztlich zum Ende der Sinuston-Kompositions-Epoche führte – und dem akustischen Gesetz unterscheiden. Letzteres basiert auf der Fourier-Transformation und spiegelt sich in gewissem Maße auch in der menschlichen Hörphysiologie wider.

Man wird praktisch bei additiver Synthese auch mit Rechteck- und Sägezahnwellen, ganz abgesehen von den Wirkungen der Filter und Hüllkurven. Vor gut 40 Jahren hatte ich einen Yamaha DX7, auf dem sich das gut auspobieren ließ, schon lange geht natürlich auch mit Software-Synths am Notebook.

Wie bereits erwähnt, befinden wir uns technisch gesehen noch am Anfang der Entwicklung. Dennoch haben sich inzwischen Methoden etabliert, um mit den noch bestehenden technischen Herausforderungen umzugehen. Beispiele dafür sind die Amplitudenmodulation und die Frequenzmodulation, die als wichtige Grundlagen dienen.

Beitrag automatisch zusammengefügt: Gestern um 15:30

Erst mal nur die ersten 4 (8) Takte. Den Rest mach ich heute Abend, glaub ich.

Lieber Klangeräuschschreiber, könntest du mir bitte verraten, welche Programmiersprache das ist? Ich erkenne sie leider nicht sofort auf den ersten Blick.