Ich komponiere mit Cubase VSTi/Soundfonts Orchestrale Musik
Du bewegst dich damit auf dem ästhetischen Background bzw. der Tradition eines klassischen Sinfonieorchesters. So wie ich dich verstehe, könnte dein Werk theoretisch auch von einem echten Orchester spielbar sein - du willst zunächst in den üblichen Grenzen eines traditionellen Orchestersatzes bleiben und legst es nicht drauf an, eine elektronische neue Ästhetik zu kreieren...richtig? Nur, damit wir von den gleichen Voraussetzungen ausgehen.
Orchester sind im Idealfall Versammlungen von ~60 hochqualifizierten und extrem sensibelen Spezialisten, die auf der Basis ihrer jahrzehntelangen Erfahrung versuchen herauszufinden, was der Komponist wohl an Dramaturgie beabsichtigt haben könnte und mit welchen Spieltechniken sie das umsetzen. Der Dirigent versucht mit Blick auf die Großstrukturen, das gleiche herauszufinden, und so in Worte und Taten zu verpacken, daß ein Gemeinschaftssinn entsteht und die Strukturen hörbar werden, die der einzelne Musiker aus seiner Einzelstimme vielleicht nicht heraus erkennen kann. Wenn du also Orchestermusik produzierst, bedeutet das, diese Arbeitsschritte alle nachzuvollziehen. Eine gute Orchesteraufnahme wirkt daher vor allem:
menschlich. Einer guten Orchesteraufnahme merkt man an, daß beim Entstehen jeder Zehntelsekunde Musik sich Menschen mit der Optimierung beschäftigt haben. Auf einem professionellen Level ist es daher kaum machbar, daß ein einzelner Produzent die gedankliche und handwerkliche Tiefe alleine erreicht, für die ein Orchester mehrere Tage (z.B. bei der Aufnahme von Filmmusik) braucht. Das nur so als Hintergrund.
Was meinst du also was ich daran ändern sollte? Meinst du sowas wie etwa mal einen 5/4-tel Takt einzuschieben oder einfach mal ein Motiv über einen, drei, oder 5 Takte laufen zu lassen
Vor allem solltest du Phrasen nicht zwingend in einen 4/4-Takt pressen, wenn sie anders organischer klingen. Schreib mal eine der von dir verwendeten Phrasen auf und schau mal, wo die Hoch- und Tiefpunkte liegen. Gibt es spannungsvollere Töne, gibt es entspanntere? Dann verstärke die Tendenzen, indem du z.B. die Hochpunkte lauter und etwas länger hältst. Es ist wie in der Sprache: betone das, was dir wichtig ist, mit allen Mitteln - verkürze das, was weniger wichtig ist. Betonung und Verstärkung erreichst du über zeitliche Dehnung (daraus könnte dann z.B. wirklich ein 5/4-Takt entstehen, genausogut aber ein 11/4), höhere Dynamik, stärkere Instrumentation, oder auch eine Pause vor einem wichtigen neuen Einsatz (die Taktik der Kirchenorganisten). Wichtig ist, daß du erst mal auf dem Papier und am Keyboard/Klavier planst und ausprobierst, und das mögliche Raster eines Notensatzprogramms oder eines Sequenzers
überhaupt keine Rolle spielt. Das zeitliche Raster einer Software verleitet zu uniformer metrischer Gestaltung. So, als wolltest du die Mona Lisa malen, darfst aber nur auf kleinkariertem Karopapier volle Kästchen ausmalen. Fantasie ist gefragt.
Ich vermute die Instrumente die Leise spielen hört man nicht. Oder meinst du dass ich eben mehr Abwechslung in die Dynamik bringen sollte? Und das auch innerhalb eines Motives? Ich habe zumindest bei allen Melodischen und Rhythmischen Sachen die Anschlagsstärke für jeden Ton etwas anders eingestellt. Denkst du es bringt was das einfach etwas mehr zu tun?
Auch die melodietragenden Instrumente sollten mal leise spielen, genauso wie in der Sprache ein intensiv geflüsterter Satz sehr eindringlich wirken kann. Auch innerhalb eines Motives sollten Dynamikunterschiede herrschen, denn sicher ist nicht jeder Ton gleich wichtig zu den anderen. Baue
Hierarchien zwischen den Tönen auf:
das ist es, was das Publikum hören will und im Nachhinein als spannungsvolle Musik in Erinnerung behalten wird. Und die Anschlagsstärken könntest du dann so einstellen, daß die wichtigen von den unwichtigen Tönen unterschieden werden. Das gleiche würde doch ein z.B. Trompeter im Orchester auch machen: er würde die wichtigen Töne lauter spielen als die unwichtigen. Um herauszufinden, welche die wichtigen Töne sind, kann man musiktheoretisch analysieren, oder, viel einfacher: singe die Phrase.
Meinst du dass ich mehr so Sachen wie Synkopen, Polyrythmik und x-tolen einbauen soll oder dass ich so kleine "Spielfehler" darein machen sollte?
Synkopen sind als Mittel zur Erhöhung rhythmischer Spannung in Maßen eine gute Sache. Es kommt auf den Einzelfall an, ob sie was nutzen. Das gleiche gilt für x-tolen. Polyrhythmik würde ich erst mal außen vor lassen, das ist eine Sache, die man beim 7.,8.,9. Werk mal ausprobieren kann. Spielfehler solltest du nicht unbedingt einbauen, aber jedes einzelne Instrument optimalerweise mit den Möglichkeiten und Grenzen einzeln aufnehmen, die auch für das echte Instrument gelten. Je besser du also die spielerischen Grenzen echter Instrumente kennst, desto besser kannst du sie imitieren. Das Einhalten aller üblicher Tonumfänge ist die absolute Basis. Aber auch: schreibe Doppelgriffe für Streicher nur so, daß sie die Leersaiten berücksichtigen und damit auf einem echten Instrument spielbar wären, keine zu schnellen Noten in die Posaunen und die Tuba, es dürfen die orchesterüblichen Intonationsungenauigkeiten vorkommen, keine zu schnellen Spieltechnikwechseln bei den Streichern (z.B. der Wechsel zwischen col legno, flautando, pizzicato, tremolo und normal.
Grundsätzlich ist es wichtig, daß sowohl die Komposition als auch die Ausführung (ob nun durch Samples oder echte Musiker) organisch wirkt. In dem Moment, wo Maschinenästhetik hörbar wird, wirst du weniger Menschen emotional erreichen, denn Orchester und Maschinenästhetik passen selten zusammen.
Wie kann ich eine Dramaturgie planen?
Durch Sensibilität. Du solltest deine geplanten Phrasen einerseits voraussetzungslos neutral als Arbeitsgegenstand sehen, dann aber mit emotionaler Sensibilität und Fantasie probieren, was man aus diesen Phrasen machen kann. Dann werden sich Spannungsverläufe ergeben, bei zwei Phrasen vielleicht schonmal ein Spannungsverlauf über 20 Sekunden. Frage dich immer selbst, ob nicht vielleicht eine dramaturgische Pause eine gute Sache wäre. Als Ergebnis wirst du vielleicht auf dem Papier ein paar Notenzeilen haben, die den Vordergrund deines Werkes planen. Die Arbeit am Hintergrund (also an unterstützenden Akkorden, füllenden Figuren, Ostinati,...) kann dann auch nochmal aufwändig werden, aber wenn du erst mal einige Phrasen sensibel arrangiert (="angeordnet"!) hast, ist das schon mal die halbe Miete.
Sowas ist halt direkt Gegenstand des Kompositionsunterrichts. Dort wird sensibler Umgang mit Tönen, Phrasen, Melodien und allen anderen Strukturen geübt. Die konkrete Ausformung ist hochgradig abhängig von der Stilrichtung. Benachbart ist übrigens die Analyse, bei der man schaut, wie andere Komponisten mit dieser Problematik umgehen.
Harald
. Du könntest trainieren, dir Musik vorzustellen und ihre Bestandteile (nur im Kopf!), also die Phrasen, Motive, Strophen, etc. anders anzuordnen. Das ist sehr nahe dran am Fach Gehörbildung. Je genauer du dich mit Gehörbildung und Analyse auseinandersetzt, desto tiefer und besser wirst du musikalische Strukturen erfassen, anordnen, organisieren und letztlich auch komponieren können.
